Conosco Antonio Padovani da più di 10 anni e non credo di poterlo conoscere di più. Si manifesta subito per quello che è, un essere umano che non ama definirsi artista, e ciò mi fa apprezzare quella che io chiamo arte inconsapevole, un nuovo movimento che sto osservando negli ultimi anni che scaturisce dalla mia osservazione di artisti che lavorano in silenzio, senza dare al mondo ciò che elaborano ma che hanno tutta la validità, a mio avviso, di esistere in un libro di storia dell’arte contemporanea; la sua arte o meglio creatività oggi, rispetto all’inflazionato mondo di mostre, biennali, quadriennali, eccetera, ha molto più valore e significato proprio in virtù di questo distacco dall’avidità dell’apparire e dell’esserci, sempre e comunque, prescindendo dal tempo che scorre ciclico e che dovrebbe ripercuotersi nell’esercizio della creatività e della produzione artistica.
Antonio è sciamano, sciamano del tempo, dei ricordi, delle passioni, del fuoco dentro e fuori, della libertà, della giustizia, purezza e delicatezza della capacità di accogliere senza giudicare l’essere umano che gli è di fronte con una compassione fuori dai limiti. Uno sciamano del cuore, della natura, del rispetto assoluto per la vita dell’umanità.
La sua cristianità si manifesta nelle forme più pure di un Vangelo vissuto con la carne, con lo spirito, con una visione della vita e delle cose che trascende gli attaccamenti, e vive come dovrebbe oggi viversi una vita, senza gongolamenti o visioni di se stessi forzate.
Non sono una visionaria ora, sono un’osservatrice attenta di questo artista, voglio riconoscerlo tale, un artista che non ha mai cercato con bramosia ciò che oggi persone cercano: luoghi rinomati, location altisonanti come se la dignità di ciò che si crea e si espone dipendesse solo ed esclusivamente dal nome di una città o di una galleria o museo.
La Terra, per intero, è il luogo più echeggiante.
Animista è colui che coglie “dentro” le cose, con osservazione e intuito profondo, un’altra zona dell’esistere, è colui che trasforma la materia secondo la propria personale visione. La materia non è mai creata ma diviene un luogo dove poter esprimere un “mondo” secondo conoscenze, tecniche e non solo, elaborate nel tempo, negli studi, nelle sperimentazioni, nelle istintività come nel pensiero.
Antonio trasforma la materia naturale.
La natura è il suo luogo prediletto dove “vede” ciò che potrà smuovere, senza compromettere la provenienza fisica e spirituale dell’oggetto natura, senza alterarne il gusto o la possibilità di riconoscerlo; semplicemente lo riveste di coloriture molto cariche e forme nettamente segnate da tratti e campiture che ricordano sicuramente una potenza espressiva cara a Van Gogh, pur restando il riferimento decisamente assente nel lavoro di Antonio, con una conoscenza che non influenza o fuorvia la propria intensità (ma che forse soltanto la può inspirare nel “dopo” come necessità di vedersi in uno scorrere storico).
La materia è la vera protagonista dei lavori di Antonio, la materia che si fa colore. Nei vari cicli che evolvono negli anni essa è trattata secondo diverse modalità: a volte più brute, con lo sgraffio, a volte più delicate, con impasti di colori che sfumano l’uno nell’altro, rendendo difficile attribuire al risultato finale una definizione e superando sicuramente l’ormai superata distinzione tra figurativo e astratto. Non c’è nulla di astratto nel lavoro di Antonio.
La percezione iniziale potrebbe indurre a pensarlo ma, calcando bene con lo sguardo le opere, l’astrattismo è solo una visione o definizione superficiale: i quadri sono ricoperti di figure, oggetti, fiori, persone, mai evidenti, mai riconoscibili perché la tecnica, se di tecnica si può parlare in un discorso che la trascende e la fa intuizione o scoperta, non può essere mai una via di comprensione razionale o descrittiva dei soggetti.
Il vero soggetto è il gesto che erompe, come nella tecnica del grattage dei primi surrealisti, di Ernst in particolare che per primo la usò, legati alla casualità o meglio alla dimensione del non controllare l’effetto finale; l’esperienza dei surrealisti ritorna nel lavoro in Antonio che nutrito di studi, non solo accademici, può permettersi di abbandonare l’effetto emulazione per dedicarsi alla sua più che trentennale ricerca.
Sembra proprio il surrealismo del frottage e grattage, insieme all’art Brut di Dubuffet o all’ultima fase delle ninfee di Monet, i riferimenti più evidenti che riscontriamo in questi lavori: i materiali raccolti nei momenti di contatto stretto con la natura, che mai può essere elusa nel lavoro di Antonio, i colori trovati anch’essi a volte per caso e utilizzati come chi ha in mano la certezza che ogni cosa che ci circonda ha il suo valore intimo e può diventare altro, un altro che spinge a trasformare come un demiurgo l’impressione iniziale in una elaborazione mitica che accade nel mentre ci si muove all’interno del contesto quadro.
E allora parlare di astrattismo è fuori luogo, come parlare di arte concettuale. Possiamo lasciare che le cose parlino da se senza darne una definizione conclusiva o esaustiva?
Quello che vediamo nella summa dei lavori di Antonio è un incrociarsi con tutta quell’arte che ha un contatto stretto con la liberazione istintiva che non è mai immaturità, banalità ma l’uscita senza restrizioni di un linguaggio che evita di strutturarsi, per scelta forse del pittore di non volersi ingabbiare in nessun movimento, di non volersi riferire mai a nessuno se non a se stesso e alla propria ricerca. E in questo atteggiamento c’è un’estrema genuinità, trasparenza, fedeltà, coerenza, libertà.
L’arte africana, interiorizzata molto più di altre da Antonio, usa legno, erba, paglia, rami dove l’unico gesto utile è quello epifanico, vedere dove nessun vedrebbe, guardare e ritrovare qualcosa di se, qualcosa che si vuole dire a se stesso. Ed ecco che anche le sculture vengono fuori da rami, dagli incroci, dai momenti in cui la pianta crea la biforcazione, poi un’altra e coglierne un senso altro, senza tradire il gesto della natura, il suo movimento. Trasformare con rispetto. Trasformare la materia con garbo, delicatezza, afferrando ciò che Antonio prende in dono e farne un altro dono, sempre: una dimensione, quella del dono, che compare in tutta l’elaborazione delle opere, soprattutto scultoree, dal riconoscerlo nel contesto naturale in lampi mistici fino al gesto stesso di regalare l’opera finale, momento di un universo di relazioni che si uniscono attraverso l’oggetto estetico.
Quest’aspetto non si perde mai, in nessun lavoro di Antonio. Questa gratitudine per il creato, per ciò che possediamo senza averlo cercato, per ciò che ci si offre senza pretese per rendere visibile l’invisibile. E non è forse questo lo scopo ultimo dell’arte?
Raccogliere, passeggiare, lavorare, incastrare, rimaneggiare, colorare e riprendere a giocare.
Perché nella leggerezza c’è il gioco e il gioco è leggerezza. O l’arte di Antonio lo è. Un gioco leggero, senza frenesia, senza smania, nel tempo che è, nel tempo che “regge” il presente e ne gode di ogni istante, e rimane sospeso nei suoi lavori.
Un tempo magico, un tempo di grotte e caverne, un tempo di quando fare arte era puro istinto, o una preghiera, o un dono, o l’esigenza dell’essere umano di scegliere se il futuro avrebbe portato abbondanza o mancanza; un tempo magico che Antonio ci permette di vivere e di condividere nella saggezza di gettare a terra ogni pensiero strutturato e lasciarsi avvolgere dal tempo che è finalmente.